lunes, 29 de mayo de 2017

EXPLORANDO EL GUERNICA DE PICASSO (3). LA COMPOSICIÓN

Picasso se encontró con un grave dilema a la hora de realizar el cuadro. ¿Cómo poder seguir siendo moderno y no renunciar a su estilo, y realizar un cuadro entendible por las masas a las que realmente iba dedicado?

Las Vanguardias eran, entonces (y creo que ahora) algo muy elitista, fuera de la comprensión de las masas que, en teoría, apoyaban a la República (esta contradicción siempre estuvo latente en el Bando Republicano: ¿modernidad, progresista pero  incomprensible; o tradicionalismo, mucho más propagandístico pero conceptualmente opuesto a los valores de la izquierda renovadora?).

Tal vez fuera este problema el que obligó a Picasso a una progresiva depuración formal y de recursos que permitiera una lectura más sencilla y efectiva.
En donde comprobamos esto con mayor nitidez es en la composición, que fue largamente meditada en el larguísmo proceso de creación.
En el cuadro final nos encontraremos (una vez más Picasso es el gran clásico, aunque parezca mentira) con dos composiciones muy enraizadas en la tradición.
Por una parte el Guernica adopta el formato (típicamente medieval) del tríptico


Dividiendo en tres zonas el gran cuadro, perfectamente simétricas, a la vez que todo es unificado por un gran triángulo central en donde el caballo ejerce de protagonista


Con todo ello Picasso pretendía una visión clásica (y por tanto mucho más sencilla, pues es la forma a la que estamos acostumbrados) del conjunto. (Por cierto, esto se confirma con la idea de crear huecos en torno a las figuras para hacerlas más comprensibles)

domingo, 28 de mayo de 2017

Shah-i-Zinda. La Ciudad de los Muertos. Samarcanda



Pocas cosas he podido ver de arte islámico que logren, siquiera, aproximarse a la Alhambra, y sólo esta necrópolis casi puede ponerse en pie de igualdad con ella.
Hoy simplemente nos vamos a ocupar de sus orígenes y plan general para dedicarle posteriormente posteriores post de sus distintos rincones.

Ya su nombre es fascinante.
Shah-i-Zinda, el muerto  (el rey) que vive.
Una leyenda afirma que que el propio primo de Mahoma (Kusam Ibn Abbas) llegó a Samarcanda en el siglo VII y, aún no islamizada, fue decapitado mientras oraba. Milagrosamente, recogió su cabeza entre las manos y se internó, guiado por el profeta Khizrt, en un pozo de esta ladera para seguir viviendo para siempre en sus profundidades. (La zona siempre había sido un lugar sagrado con manantiales de agua)
En su honor se construyó una mezquita mausoleo cuya última gran reforma se realizó en el siglo XVI.




Diversas dependencias del complejo de Ibn Abbas
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En torno suyo comenzó a formarse (en torno al siglo XIV), la primera necrópolis, de la que nos quedan algunas estelas, pues el gran florecimiento artístico del lugar tendrá lugar en tiempo de Tarmelán (Timur, con la reactivación de la citada leyenda, con evidente trasfondo político que justificara la nueva dinastía), creándose los 16 mausoleos de su familia y principales colaboradores.
 Estos se colocan en torno a una estrecha y empinada calle que comienza en el iwan construido por Ulug Bek y termina en el morabito.
 La estructura de los mausoleos responde (en la mayoría de los casos) a gran iwan de entrada que conduce a una planta cuadrada que se cubre con cúpula de doble casco como las que ya analizmos en el Mausoleo de Gur i Mir.
La maravillosa decoración la analizaremos en un próximo post



sábado, 27 de mayo de 2017

Un libro para conocer la asombrosa historia de la Gioconda


Este libro de Donald Sassoon en Electra es un magnífico libro para descubrir los enigmas pasados y presentes de la famosa Gioconda.
Y lo es en una doble dirección, según la preparación e intereses del lector.
Para aquel más apresurado el libro puede leerse tan sólo siguiendo sus magníficos pies de fotos que dan una idea perfecta de la importancia del cuadro y su larga historia a lo largo de los siglos.
Para aquel al que le interese profundizar algo más puede leer los artículos que se intercalan a lo largo del libro.
                                                                    
Tanto de una forma como de otra el libro aporta una preciosa información sobre el autor, las características técnicas de la obra, sus influencias pictóricas (en el siglo XVI, su redescubrimiento por os simbolistas del XIX como mujer fatal o su manipulación a partir de Duchamp), el asombroso caso de su robo y su conversión final en icono cultural-popular que llega a la actualidad



viernes, 26 de mayo de 2017

ÁNIMA MUNDI

¡Qué maravilla la del futuro en el que sea posible medir contar y pesar nuestros sentimientos y emociones con una precisión milimétrica que nos permita elegir científicamente nuestras amistades y parejas!
¡ Qué lástima la de que cuando eso ocurra todas las ciencias sean cuánticas y apenas se diferenciarán ya de la poesía la música dodecafónica con los cuadros etílicos de Pollock!

Vicente Camarasa Domínguez

miércoles, 24 de mayo de 2017

ANA MENDIETA. Siluetas


Ana Mendieta (1948-1985) ha sido una de las artistas femeninas más representativas del siglo XX, y su obra se extiende por múltiples formatos y técnicas de representación: body art, land art, earth body, performance...
De la misma manera, sus temáticas han sido amplias, desde el arte feminista a la defensa de la naturaleza o la crítica al poder, pues si por algo se caracterizó su arte es por el tránsito por territorios fronterizos, ella que era una mujer en un gremio (el de artistas) masculinizado, emigrante o mestiza o de raíces católicas y afrocubanas en una sociedad WAPS
Una de sus series más conocidas (y a la que dedicó más de una década) fueron las siluetas, en donde utilizaba su propio cuerpo (body art) interaccionando con la naturaleza (land art) de forma casi teatral (performance).
De ellas, evidentemente, sólo nos quedan las fotos, pálidos recuerdos de un arte que no quiere comercializarse (arte conceptual) y propone mucho más el evento que la eternidad, el gesto, lo ocurrido a lo definitivo.
Las temáticas que aborda en esta serie son muy amplias; veamos un ejemplo.
En muchas ocasiones recurre al camuflage. La artista busca perderse en la Naturaleza, confundirse con ella como crítica a una sociedad que está olvidando lo ecológico como si fuera algo superfluo, buscando sus raíces en el propio paisaje.

En otras ocasiones busca dejar su marca en lo natural. Una marca, por otra parte, sumamente blanda, que muy pronto la erosión eliminará, como hace el tiempo con cada uno de nosotros, borrándonos rápidamente una vez desaparecidos (de la esfera pública o de este mundo, da lo mismo), devorándonos en su ciclo eterno que borra cualquier tipo de ego sin apenas inmutarse.

También hay sitio en estas siluetas por el retorno a culturas tradicionales, casi al borde de la extinción, que, de nuevo conectan con un mundo mágico en donde la Naturaleza se relaciona con la persona de forma íntima y simbólica, resucitando así las culturas que son devoradas por el modelo occidental.

Y por supuesto para el discurso feminista que tanto critica al machismo y todas sus formas de violencia como indaga en las sutiles relaciones Naturaleza-mujer, el poder blando, la seducción y la empatía.
Su obra y reflexiones son tan actuales que realmente parece puro arte actual, tanto por los medios como por los discursos

martes, 23 de mayo de 2017

ARTE ROMÁNICO (3). ESCULTURA Y PINTURA.ÍNDICES


ESCULTURA

Fotos para repasar escultura y pintura románica (ESO)



Los bestiarios medievales

La psicostasis (una iconografía desde el mundo egipcio)

Las portadas románicas. San Lázaro de Autum

Muerte de Judas (Obra comentada). Vezelay

La portada de Santa Fe de Conques

Portada de San Trófimo de Arlés (Francia)







Portada de Santa María la Real de Sangüesa (Navarra)

Los capiteles "romanos" de Frómista (Palencia)

La Portada de Platerías (Santiago de Compostela)

Capiteles del claustro de Santillana del Mar (Cantabria)

Pórtico de la Virgen de la Peña (Sepúlveda)

Mensario de San Bartolomé de Campisábalos (Guadalajara)

Relieves de San Salvador (Turégano)

Portada de Ripoll

El Pilar de la Lujuria

El maestro de Cabestany



Eboraria. El Cristo de Don Fernando y Doña Sancha

Majestad Batló

Santo Volto de Lucca

Santo Volto de San Sepolcro

Virgen Kiriotissa


PINTURA

Sant’ Angelo in Formis. Italia

El segundo maestro del Pedret

Las pinturas románicas de Santa María de Tahull (obra analizada)

Las pinturas de San Joan de Boí
 El Martirio de San Esteban
 Los juglares

Las pinturas del Panteón de San Isidoro de León

Adán y Eva. Maderuelo (Obra analizada)

Las pinturas románicas de San Román de Toledo

Las pinturas románicas de Valdilecha

Las pinturas románicas de San Esteban de Gormaz

Las pinturas de San Baudelio de Barlanga (Soria)

El frontal de los Apóstoles (Obra analizada)

El frontal de Santa Julita y San Quirico (Lérida)

El tapiz de la creación (Girona)

El Tapiz de Bayeu (Ana Molinero)




Análisis del Pantocrator de Tahull (Alumna de 2º ESO)

ARTE ROMÁNICO (2) ARQUITECTURA. ÍNDICES


CARACTERÍSTICAS GENERALES
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Conceptos básicos
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Románico vs gótico

Fotos para repasar arquitectura románica (ESO)

Las marcas de cantería

Trompas y pechinas

Canecillos

Los pórticos románicos

Las cúpulas-cimborrio del Duero (Toro, Salamanca y Zamora)

La arquitectura románica de planta central

Los castillos medievales (partes)

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Primer románico o lombardo

CARACTERÍSTICAS GENERALES

FOTOGALERÍA ENLAZADA

San Abundio (Como. Italia)

San Pere de Rodes (Girona)

Roda de Isábena y el monasterio de Obarra (Huesca)

San Vicente de Cardona (Presentación). Lleida

Sant Jaume de Frontanyá (Barcelona)

Ripoll (Gerona)

Seu de Urgell (Lérida)

San Martín de Mondoñedo (Lugo)

El Románico lombardo en Andorra

Románico Lombardo en Italia


Románico pleno

Arquitectura románica en Zamora

San Martín de Frómista (Palencia)

San Isidoro de León.

Análisis y comentario desde planta

Santo Domingo de Soria

San Juan de Duero (Soria)

San Juan de Rabaneda (Soria)

Espinosa de Cerveros (Burgos)

Santa Susana (Barriosuso. Burgos)

San Esteban (Segovia)

San Lorenzo (Segovia)

La Vera Cruz (Segovia)

Santiago (Sepúlveda. Segovia)

Nuestra Señora de la Asunción (Duratón. Segovia)

San Cristóbal (Salamanca)

Santa María de Wamba (Valladolid)

San Vicente de Ávila

San Pedro (Ávila)

Claustro San Juan de la Peña (Huesca)

Dos portadas románicas en Sigüenza (Guadalajara)

Albendiego (Guadalajara)

Carabias (Guadalajara)

Ermita de Santa Catalina (Guadalajara)

Monasterio de Leyre (Navarra)

Santa María la Real de Sangüesa (Navarra)

Santa maría de Eunate (Navarra)

Torres del Río (Navarra)

Santa María de Gerri la Sal (Lleida)

Sant Pau (Barcelona)

Claustro de Santillana del Mar (Cantabria)

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Románico internacional

Fotogalería enlazada de arquitectura románica en Alemania


Santa Fe de Conques (Francia)

San Lázaro de Autum (Francia. Borgoña)

Santa Magdalena de Vezelay (Francia. Borgoña)

El románico del Perigord (Francia)

El románico de Normandía (Francia)

San Tromilo de Arles (Portada). Francia




El románico en la Lombardía (Italia)

San Abundio (Como. Italia)

El estilo cosmatesco

Santa María della Pieve (Arezzo. Italia)

San Frediano (Lucca. Italia)

San Michele (Lucca. Italia)

Duomo de San Sepolcro (Toscana. Italia)

Baptisterio de San Giovanni (Florencia)

San Miniato al Monte (Florencia)

Iglesia San Biaggio (Florencia)

Santa María in Cosmedin (Roma)

Arte sículo-normando (Silicia. Italia)

Cefalú y Monreale (Sicilia)

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EDIFICIO MIRADOR. MADRID


Realizado por Blanxa Lleó y el estudio MVRDV, se trata de un edificio de viviendas en el barrio de Sanchinarro.
El llamativo alzado corresponde (conceptualmente) a una manzana tradicional con patio central que se ha puesto en pie.

Tanto este cambio con el juego de colores del edificio (ya por materiales como por acabados) nos hablan del mundo posmoderno, pues en realidad no se trata de un edificio único sino una combinación de nueve bloques independientes alrededor del hueco que mantienen distintas distribuciones mientras los colores rojos (como ya hiciera el Pompidou) nos muestran las zonas de circulación.

Evidentemente su gran terraza con vistas a la vista del Guadarrama, su transparencia en el paisaje, dejando entrar el cielo en medio del bloque, es su mayor hallazgo






















































lunes, 22 de mayo de 2017

LUCIANO FABRO. SERIE ITALIA


Dentro de la corriente denominada arte povera destacó la figura de Luciano Fabro.

 Gran parte de su obra reutiliza (como es habitual en el movimiento) materiales sencillos, de uso cotidiano que buscaban una crítica de la sociedad de consumo, profundamente estandarizada (una visión semejante/contraria del pop).

Hay también en estos materiales una profunda reflexión sobre los propios orígenes de la escultura, insistiendo en conceptos básicos pero claves como la dureza, el tacto, el peso, su situación en el espacio... que derivan del arte minimal

Sin embargo, su obra por excelencia será la amplia serie Italia que, sin renunciar a estos materiales, profundiza más en la crítica social y política de su propio país.
Mucho antes que lo hiciera Baselitz, Fabro gira 180 grados la conocida silueta de la Península Italiana y la suspende por medio de cuerdas.

De esta manera, el Norte pasa a ser el Sur y viceversa, algo especialmente importante en este país, que en realidad son dos divididos por la línea imaginaria que marca Roma: un norte industrial y europeo (capitaneado por Milán o la rica zona del valle del Po) y un sur (el mezzogiorno) rural y atrasado económicamente que guarda (Nápoles, Sicilia) las esencias de lo italiano pero también sus más terribles desastres (como las diversas organizaciones mafiosas o la profunda pobreza).
¿Sólo con un cambio de orientación se puede cambiar esta profunda grieta en donde el dominio español tuvo tanto que ver?
Por supuesto que no, pero ya es suficiente llamada a los espectadores que descubren las líneas que separan (y sin salir de Europa) las fronteras entre la pobreza y la riqueza.

Pero además de esto, Fabro suele utilizar para estas Italias invertidas lujosos materiales, tan aparentes como falsos. Ya sean pieles o papel dorado, su contorno se cubre con ellas, pues la apariencia (y más en el país que inventó el barroco) se superpone a la realidad y le da una falsa apariencia de riqueza a lo que verdaderamente no lo es



domingo, 21 de mayo de 2017

ROMÁNICO (1) ÍNDICES. CONCEPTOS GENERALES

ARTE PRERROMÁNICO. ÍNDICES. Visigodo, asturiano y mozárabe





 
El mundo eremítico y los primeros cenobios

La liturgia y la distribución de espacios


VISIGODO


FOTOGALERÍA ENLAZADA

Plantas de arquitectura visigoda

Recópolis (Guadalajara)

La capilla rupestre de Ercávica (Guadalajara)

Basílica de Segóbriga (Ciudad Real)

La cueva de los siete altares (Sepúlveda. Segovia)

Santa María de Melque (Toledo)

San Juan de Baños (Palencia)

San Pedro de la Nave (Zamora)

Quintanilla de las Viñas (Burgos) Arquitectura y relieves

Pilastra visigoda del Salvador (Toledo)

Los broches y fíbulas visigodos

Las coronas votivas


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ASTURIANO


FOTOGALERÍA ENLAZADA

Santa María del Naranco (obra analizada)

Santa Cristina de Pola de Lena


San Salvador de Valdediós




MOZÁRABE

FOTOGALERÍA ENLAZADA

San Miguel de Gormaz (Soria)

San Baudelio de Berlanga (Soria)

Sus pinturas

Santa María de Wamba (Valladolid)

San Cebrián de Mazote (Valladolid)

San Miguel de Escalada (León)

Santa Cecilia (Burgos)

Santa María de Lebeña (Cantabria). Juan Aranda

Santa María de Melque (Toledo)

San Quirce del Pedret (Barcelona)

Pintura prerrománica en San Quirce del Pedret

Sant Esteve de Canapost (Gerona)

Santa Helena de Rodes (Girona)

El Beato de Liébana (dos artículos entrelazados)

      Beato de Don Fernando y doña Sancha

Necrópolis altomedieval de Cuyacabras (Burgos)

Vaso de Balvarda (Ávila)

Un magnífico post para repasar






EUROPA

Contexto histórico carolingios

Capilla palatina de Aquisgrán (Alemania)

Dintel de San Genis. Rosellón

EL REMATE RENACENTISTA DE LA GIRALDA. HERNÁN RUIZ


Hace tiempo ya hablábamos de la parte inferior de la Giralda como una típica torre almohade, siendo uno de las zonas mejor conservadas de la mezquita almohade (junto al patio de los naranjos, antiguo patio de abluciones) sobre la que más tarde se construyó la Catedral.

Hoy nos vamos a centrar en su remate renacentista, realizado por Hernán Ruiz, maestro mayor de la catedral de Sevilla que realizará también otras obras en el mismo edificio (remate de los ábsides, espectacular sala capitular de forma ovalada).

En cuanto a la Giralda, el cabildo le encargó realizar un cuerpo de campanas que realizó en el un estilo renacentista avanzado, aunque manteniendo una coherencia asombrosa con el edificio preexistente, creando una obra única y con personalidad propia (1558 y 1568)

   La Giralda, la torre campanario de la Catedral

Para ello realiza un doble cuerpo

El inferior, en donde se utiliza el motivo palladiano, como cuerpo de campanas, y el superior como un pequeño templete de triple altura que arranca con formas cuadrangulares para convertirse en los dos más altos en circulares.

Cuerpo de campanas
Remate final de los dos cuerpos circulares y el Giraldillo

Todos estos últimos elementos están pensados para su contemplación desde el suelo, lo cual hace alargar sus proporciones para evitar la "compresión visual" provocada por un punto de vista tan forzado (esta misma característica genera una verticalidad casi gótica que enlaza con la catedral, muy lejana de los modos clasicistas que caracterizaban al arquitecto).

La Giralda desde la catedral

El remate de la Giralda desde el Guadalquivir

Respecto a la propia composición, a menudo se ha hablado de una posible inspiración en las obras efímeras para festejos, con elementos móviles (como el Giraldillo), sonoros (las campanas), elementos en bronce (sus famosas jarras de azucenas realizadas en bronce y que fueron pensadas para instalar luminarias (a partir de pequeños fuegos) en los días señalados e inscripciones conmemorativas (Turris fortissima nomen Domini - El nombre del Señor es torre fuerte) que convierten a la torre en el elemento simbólico del paisaje sevillano, símbolo del triunfo de la fe católica (pues realmente esto significaba el Giraldillo que ya analizamos aquí), como corresponde al espíritu de la Contrarreforma


El Giraldillo. La veleta de la Giralda que representa la fe.


En lo puramente decorativo, Hernán Ruiz mezcló los elementos clasicistas (columnas, pilares, cúpulas...) con formas vagamente mudéjares (resaltados de ladrillo, elementos polícromos) que sirven para conectar con la zona inferior y conseguir una visión de conjunto