miércoles, 4 de febrero de 2015

PARA EMPEZAR A CONOCER A TINTORETTO

En las paredes se su estudio se podía leer:

Il disegno (dibujo) de Michel Angelo e'l colorito di Titiano
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La Gloria. Museo Thyssen

Japoco Robusti, llamado el Tintoretto debido a la profesión de su padre y su escasa estatura, representa la opción manierista dentro de la pintura veneciana, siendo su arte una sugestiva mezcla entre las características de Giorginione o Tiziano (pincelada suelta, dibujo alla prima, interés por el color y las texturas), los Basano (y sus juegos de luces, a los que añade un mayor dramatismo) y su admirado Miguel Ángel.


De este último toma sus poderosas musculaturas, las formas serpentinatas o su manera de componer desequilibrada (tomada del Juicio Final del maestro) en donde se mezclan zonas de un verdadero agobio espacial con otras totalmente vacías, que funcionan como verdaderos pozos que absorben al observador.





 La Gloria. Museo Thyssen

Sus rasgos más personales son el uso de la luz y el espacio.

De la primera, Tintoretto dará el gran paso que utilizará el barroco, cambiando la luz representativa de todo el renacimiento por otra mucho más tensa, con mayores claroscuros y dirección destacada. Es la luz expresiva que triunfará con Caravaggio.



Esta luz pasará de tonos más claros y dorados a otra cada vez más terrosa que (igual que ocurría en las últimas obras de Tiziano, especialmente las religiosas) termina por sobreponerse a los propios colores, creando una masa espesa en donde surgen brillos.
Según se desarrolla este proceso también su pincelada cada vez se hará más fluida (la llamada prestezza) que terminará por crear un caligrafía personal de figuras escasamente esbozadas por golpes de luz


 En cuanto al espacio, y junto a lo ya dicho en la composición, Tintoretto explota de forma sistemática las arquitecturas en diagonal que descentrarán el punto de fuga (rompiendo así la tradicional calma clásica por medio de la aceleración de los motivos repetidos, como el enlosado o las paredes).



 El hallazgo del cuerpo de San Marcos (simplemente comparadlo con la famosa Última Cena de Leonardo y comprenderéis lo dicho).

Habitualmente adoptará múltiples perspectivas de sotto in sú (de arriba a abajo) que arrastrarán las miradas de los espectadores, animadas por múltiples escorzos y un curioso juego de bambalinas (ya sea por elementos arquitectónicos, ya por masas de personajes, ya por profundos contraluces) que multiplican el espacio, habitualmente con una fuente de luz en su zona final, multiplicando los recorridos visuales que pueden realizarse en él. (Aquí vimos los trucos que utilizó para crear estos fantásticos espacios)



Juicio Final. Santa María del Orto

Con todo ello, y especialmente en la pintura religiosa, Tintoretto avanza la pintura barroca, entendiendo su arte como una forma ya no de mostrar el hecho religioso (como había hecho el renacimiento) sino de "exaltación y expresión, un objeto realizado para producir la sorpresa y provocar el asombro (...), acentuar los recursos sentimentales (...) y convertir la imagen en un instrumento para la persuasión y cuya retórica sirviera para convencer antes que para contar, persuadir antes que demostrar, y que conmoviera los sentimientos del fiel" (Nieto Alcaide). Con ello se adecuaba perfectamente a la nueva idea del arte surgida de Trento.

En sus retratos, muy texturados y en donde su pincelada suelta es más evidente, se muestra más cercano a sus contemporáneos florentinos (Bronzino) representándonos figuras fuera del tiempo y el espacio que rompen la cercanía anterior para mostrarnos casi puras ideas.


Su influencia en la historia del arte será muy intensa en dos direcciones.
Por una parte influirá decisivamente en el Greco (que se formaría en su entorno), como podemos observar en sus retratos, o (según Nieto y Checa) en su idea de una religión mística y agitada.

Por otra parte, Tintoretto se adelanta al Barroco en su idea de la luz o el espacio.
Caravaggio. Deposición
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